DAVID HOCKNEY: EL ARTE POP IMPULSADO POR LA DIVERSIDAD

Uno de los artistas más destacados del Pop Británico fue también, David Hockney, nacido en 1937. Pintor, dibujante, fotógrafo y escenógrafo, célebre por sus pinturas satíricas, su obra gráfica, sus dibujos magistrales y retratos de personajes contemporáneos.

Fue educado en la Bradford Grammar School y en el Bradford College of Art entre 1953 y 1957. Su gráfica como la de otros creadores del Arte Pop se asocia inicialmente con la corriente expresionista sin embargo, su obra adquiere evolución en cuanto a forma, color y temática, lo que lo lleva a ser uno de los expositores más reconocidos del arte popular.

Sus trabajos en la década de los 60's, denotan un estilo ingenuo y muy colorista. A Bigger Splash es una de sus pinturas más conocidas. Realizó una serie de pinturas de piscinas con acrílicos con un estilo muy realista de colores vibrantes.

Incursionó también en la fotografía donde realizó un registro parcial de su vida y generó diversos trabajos de exploración con esta técnica.

Uno de los atractivos de su obra es que, a diferencia de otros artistas contemporáneos, Hockney aceptó públicamente su homosexualidad; esto le ayudó para experimentar con diversos temas referentes a la diversidad, lo que provocó que generara mayor expresionismo en sus obras.

Para la época, aceptar abiertamente la diversidad sexual era todavía mal visto, sin embargo a David Hockney su propia aceptación, lo ayudó a enfocarse en la exploración de nuevos temas sociales y representarlos de una manera muy colorida; al final, logró plasmar una crítica a los estilos de vida de las parejas estadounidenses que a pesar de parecer perfectas, encerraban una doble moral o una doble vida.

David Hockney

A Big Plash

CLAES OLDENBURG & COOSJE VAN BRUGGEN: UNA HISTORIA DE AMOR DEDICADA AL ARTE POP

Otros artistas que lograron consolidar el Arte Pop con su trabajo fueron Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen.


Claes Oldenburg nació en Estocolmo, Suecia, en 1929. Oldenburg asistió a la Universidad de Yale desde 1946 hasta 1950 y se convirtió en ciudadano estadounidense en 1953. 

Después de trabajar como periodista aprendiz en la Oficina de Noticias y los estudios de la ciudad de Chicago en el Instituto de Arte de Chicago, se instaló definitivamente en la ciudad de Nueva York en septiembre 1956.

Se dedicó a realizar instalaciones y performances en los cuales utilizaba como temas los objetos comunes y comerciales en su entorno urbano. En la búsqueda de realidad en sus esculturas, incursionó en diferentes materiales hasta perfeccionar lo que es conocido como la escultura blanda.

El mundo estaba empezando a evolucionar muy rápidamente, gracias a los medios de comunicación, que hicieron cambiar las bases de las relaciones humanas y preocuparse más por el consumo excesivo. 

Oldenburg consideraba que, si su arte estaba relacionado con la situación social de la época, resultaba más fácil mostrar y entender sus composiciones al público y que fueran aceptadas.

Coosje Van Bruggen, escultora, historiadora de arte y crítica, nace en Groningen, Holanda, en 1942.  Trabajaba en el Museo Stedelijk de Ámsterdam cuando en 1970 le encargaron coordinar una exposición de Oldenburg y así lo conoce. En 1977, Oldenburg se casa con la artista holandesa y comienzan a trabajar juntos.

Ambos hicieron grandes aportes al Arte Pop de gran formato; él se centraba en las formas y ella en los colores y el emplazamiento. Transgredieron el concepto tradicional de la escultura al convertir objetos cotidianos en esculturas de medidas monumentales.

Juntos, realizaron más de cuarenta obras para espacios públicos llevando en alto el nombre del Arte Pop  a pesar de las polémicas provocadas por su innovadora concepción de la escultura pública monumental y el lenguaje irónico del que su obra estaba cargada debido a la sorpresa que causaban en el espectador por la alteración de las dimensiones de objetos cotidianos e intencionadamente estereotipados.

EDUARDO PAOLOZZI: ARTISTA SURREALISTA DEL POP

Si regresamos un poco más en el tiempo, previo al Arte Pop que todos conocemos, encontramos a Eduardo Paolozzi.

Paolozzi fue un escultor escocés, en la década de 1950 y, desde entonces, uno de los artistas británicos más destacados. 

De padres italianos, nació en Leith, cerca de Edimburgo, y entre 1943 y 1947 estudió en las escuelas de arte de Edimburgo y de Slade. Desde 1947 hasta 1949 trabajó en París, donde recibió la influencia del surrealismo. 

A su regreso a Gran Bretaña se implicó abiertamente en el desarrollo del Pop Art dentro del Independent group, ligado a los debates del Instituto de Arte Contemporáneo de Londres. La obra de Paolozzi de finales de la década de 1940 refleja el influjo del movimiento Dadá (característico por rebelarse en contra de las convenciones literarias, y especialmente artísticas) y del Surrealismo (buscaba trascender lo real a partir del impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional).

Paolozzi incorporó piezas de maquinaria a las esculturas de bronce que realizaba, mientras que  en sus últimas obras última incluye esculturas de formas abstractas gigantes, realizadas con extrañas combinaciones de formas mecanicistas, intentaba representar el movimiento de la forma a través de la sensación de movimientos que demostraba a partir de la superposición de elementos de diferentes tamaños . El éxito de Paolozzi radica en la creación de un estilo personal distintivo.

Paolozzi no aceptó plenamente ser un expositor del Arte Pop, más bien el consideraba que sus obras estaban mucho más cercanas al surrealismo. En cualquier caso, la utilización de imágenes procedentes de los medios de comunicación de masas, el desenfado y la referencia a la técnica serigráfica, son evidentes motivos para mantener la relación entre sus obras y el Pop Art.

Eduardo Paolozzi

Composición Arquitectónica en Verde

Bash

Dr. Pepper

POP ART BRITÁNICO Y RICHARD HAMILTON

Regresando a los orígenes del Pop Art, es importante destacar que esta expresion artística tuvo sus orígenes en Inglaterra a mediados de los 50 y en Estados Unidos a finales. Uno de los principales exponentes del Arte Popular Británico es Richard Hamilton.

Este artista británico trabajaba en una agencia publicitaria, mientras asistía a clases nocturnas en el St. Martin's School of Art y el Westminster Technical College. A los dieciséis años entra en la  Royal Academy of Art para cursar estudios de pintura durante dos años. En 1950 realiza su primera exposición en solitario presentando una colección de aguafuertes. 

Su influencia venía de Cézanne del cubismo, futurismo y cronofotografía; Hamilton se interesaba por el movimiento y la perspectiva. Fue maestro de tipografía y diseño industrial en la Escuela Central de Arte y Diseño de Londres y miembro fundador del Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (ICA). 

Hamilton fue el máximo impulsor en Inglaterra de este nuevo arte que nacía de lo urbano, provocador, cargado de humor. En una de las obras de Richard aparecen elementos de la cultura de masas estadounidense: un fisicoculturista, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de historieta, un cartel de cine y una enorme chupa-chups. El Arte Pop era sin duda, una crítica social para el en donde el consumismo se fundía con el estilo de vida de la sociedad del momento.

Hamilton definió el Pop Art como una disciplina popular, efímera, de bajo costo, producida en masa, sexy, glamorosa y de gran negocio. Fue uno de los primeros en plantearse la exposición como una obra en sí misma. Uno de sus trabajos más importantes fue la cubierta del White Álbum (Álbum Blanco) de The Beatles en 1968. Hamilton produjo series de pinturas, dibujos e impresiones que abordan temas como el glamour, el consumismo, la mercancía y la cultura popular y aportó grandes conocimientos para las generaciones de diseño industrial de la época.

Richard Hamilton

Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?

Study for a Fashion plate

Interior II

ROY LICHTENSTEIN: MÁS ALLÁ DEL ARTE POP CONVENCIONAL

Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que 

mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal 

mientras la realizo.

Roy Lichtenstein

Otro de los autores representativos del Arte Pop fue Roy Lichtenstein (1923-1997), conocido sobre todo por sus representaciones a gran escala del arte del cómic.

Sus primeras obras tenían más tendencia al expresionismo abstracto sin embargo, poco a poco experimentó con imágenes tomadas de los cómics. Dichas imágenes las tomaba de los papeles de envolver chicles de menta; estas las interpretaba y mezclaba con imágenes del Viejo Oeste, hechas por el artista Frederic Remington.  Así, llega un momento en su vida en que se dedica por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.

Le gustaba representar a la mujer en sus obras como un personaje vulnerable y sentimental. En muchas de sus obras del inicio de su carrera, representaba a la mujer com una extensión de los utensilios domésticos, haciendo alusión al pensamiento machista. 

También gustaba de utilizar las obras de otros artistas y complementarlas con su visión de Arte Pop; le gustaba representar su propia opinión a partir del complemento de la obra con su toque lleno de colores que a su parecer, representaban otra escena dentro de la obra del autor originial. Su técnica favorita era el uso consecutivo de puntos bendéi (tramado de puntos en artes gráficas).

Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Sus esculturas recrean los efectos de los cómics.

En sus últimas obras muestra la influencia de los artistas Henri Matisse (Fauvismo) y Pablo Picasso (Cubismo).

Roy Lichtenstein

Barcelona's Head

Sleeping Girl

Woman with flowered hat

Good Morning Darling

JEAN MICHEL-BASQUIAT: EL EXPRESIONISMO DENTRO DEL ARTE POP

Otro de los artistas que fueron influenciados por Andy Warhol fue Jean Michel-Basquiat.

Basquiat, fue un artista que prácticamente se hizo en las calles. De padre dedicado a la contabilidad y de madre diseñadora gráfica; llevó un vida demasiado cambiante debido al divorcio de sus padres.
Estando en diferentes escuelas y expulsado de la última por rebeldía, decide dejar la escuela definitivamente y entrar en contacto con la subcultura de su ciudad, Nueva York.

Abandona también su casa para vivir durante dos años en las calles, con sus amigos en Manhattan, sobreviviendo con la venta de postales y de camisetas que él decoraba. Así, comenzó su camino en el grafitti, donde mostraba carga poética y filosófica. Basquiat poseía una cierta curiosidad intelectual y sentía una verdadera fascinación por el expresionismo abstracto.

En 1980 comienza a dedicarse a la pintura y consigue exponer en diversas galerías, aún siendo un vagabundo. En 1981, Basquiat expone en el Instituto de Arte y Recursos Urbanos de Nueva York donde conoce a Andy Warhol.

Basquiat fue la fascinación de Andy Warhol, sobretodo porque con él revolucionó lo ya establecido en el arte al introducir la calle y el grafiti dentro del glamuroso mundo de las galerías; Warhol logró que un hombre negro se colara en el círculo de las artes en una época en la que aún no se aceptaba a la gente de color en cualquier profesión. Andy rompe con este esquema de racismo al hacerlo su apadrinado. 

Con Basquiat, Warhol toma su segundo aire en la pintura y la retoma mientras empapaba a Jean Michel de sus conocimientos.

A pesar de llevarse tan bien, a veces chocaban. La naturaleza obsesiva de Basquiat, que pintaba y repintaba sus obras muchas veces, hacía que discutiera frecuentemente con Andy Warhol. De igual manera, a Warhol no le gustaba que cuando pintaba algo Basquiat se metiera y pintara sobre todo; Basquiat en cambio, a veces pensaba que Warhol era flojo porque terminaba rápido.

A pesar de eso, a Warhol le entusiasmaba la energía y espontaneidad del joven artista, que ya incluía serigrafías en su trabajo debido su influencia. Warhol comenzó a pintar a mano alzada de nuevo por recomendación de Basquiat, recuperando algunos de los contenidos sobre los que había trabajado en lienzos de principios de los sesenta. 

Sin embargo, a mediados de 1985, Basquiat comenzó a desvincularse de la relación con Warhol debido a la crítica publicada en el New York Times a raíz de una exposición de su trabajo en común. No volvieron a juntarse para trabajar juntos.

Dos años después, Andy Warhol muere a la edad de 58 años debido a un paro cardíaco a consecuencia de una operación de vesícula; Basquiat muere un año después que Warhol a la edad de 28 años por una sobredosis. 

Ambos lograron una de las mejores sinergias artísticas a pocos años de que sus vidas terminaran. 

Jean-Michel Basquiat ha conseguido que pinte de una forma muy diferente, 

y eso está muy bien

Andy Warhol

Andy Warhol y Jean Michel Basquiat, 1985

Basquiat, 1987

Basquiat, 1987

Andy Warhol & Jean-Michel Basquiat,1985 

EL ARTE EN LA MÚSICA CON WARHOL: OTRA FORMA DE REPRODUCCIÓN MASIVA DEL ARTE

Hacer dinero es arte, y el trabajo es arte, y un buen negocio es el mejor arte

Andy Warhol

Dentro de las expresiones artísticas en las que Warhol plasmó su estilo pictórico se encuentra la realización de portadas de discos.

En esta época en la que se dedica a ellas, Warhol ya era un artista más consolidado. En las décadas de los 70 y 80, se convierte en emprendedor y comienza a hacerles autorretratos a diversos famosos, así genera otra forma de arte masivo; a través de un disco, el arte podía reproducirse miles de veces y llegar a las manos del consumidor. De esta forma, el arte seguía perpetuándose a través de una reproducción en serie.

Nunca he conocido a nadie que no pudiera ser considerado una belleza

Andy Warhol 

A continuación, les dejo las 5 portadas de discos que a mi parecer, son las mejores que Warhol creó en las que se muestran su calidad pictórica, su cuidado en el manejo del color y la representación de cualidades de los artistas a partir de un estudio meticuloso de la personalidad de cada uno:

Menlove Ave, John Lennon

Aretha, Aretha Franklin

Made in Spain, Miguel Bosé

 

Count Basie, Count Basie

The Painter, Paul Anka

EL LADO RELIGIOSO DE ANDY WARHOL

"Si buscas algo detrás de la superficie de mis cuadros, no encontrarás nada"

Andy Warhol

Lejos de lo que podría pensarse debido a las expresiones artísticas de Warhol,  el era un hombre profundamente reservado en su postura religiosa; Andy era católico. 

De joven, Warhol asistía con su familia a la Iglesia católica bizantina San Juan Crisóstomo en Pittsburgh y de adulto en Nueva York, iba casi diario a la parroquia de San Vicente Ferrer en Manhattan.

Algunas veces iba a misa; sin embargo, ante el temor de ser reconocido, se sentaba callado al final de la iglesia. Otras veces, se detenía en la iglesia a mediodía, encendía una vela y pasaba quince minutos en oración.

 En su cuarto junto a su cama, colocaba en su mesita de dormir un santuario de yeso, un crucifijo y un gastado libro de oración. Bajo su ropa, llevaba una cadena con una cruz  y en su bolsillo, siempre llevaba un rosario.

El Catolicismo de Andy Warhol era evidente en su filantropía. Ayudaba a varias organizaciones incluido un comedor comunitario dirigido por una iglesia. No contento con ayudar económicamente, Warhol era voluntario en el comedor, sirviendo sopa o ayudando de cualquier manera que pudiera. 

A pesar de mantener su devoción católica en secreto, Warhol incluía símbolos religiosos en su obra artística, sobre todo en su última etapa. Recreó la Última Cena de Da Vinci, así como pinturas de Jesucristo y de la Virgen María, ayudado a popularizar las obras clásicas de las que provenían.

 La última cena

Ingrid

La última cena (En otra de sus representaciones)

THE VELVET UNDERGROUND: LA BANDA DE ROCK REPRESENTATIVA EN THE FACTORY

Entre las estrellas que pasaron por The Factory, The Velvet Underground fue una banda de rock muy representativa. Activa entre 1964 y 1973, se forma en Nueva York por Lou Reed y John Cale. 

La banda se formó en 1964 Reed como compositor para Pickwick Records ahí conoce a John Cale y comienzan a tocar juntos tocaron juntos en un grupo llamado The Primitives con el objetivo de promocionar un single de Reed llamado The Ostrich. la colaboración entre estos dos artistas funciona y piensan fundar un nuevo grupo. En varios intentos fallidos en la construcción de una buena banda se llamaron:  The Warlocks, que luego emigraron al nombre de The Falling Spikes. 

El nombre final de la banda surge del título de un libro de sadomasoquismo de Michael Leigh titulado: The Velvet Underground que se encuentra un amigo de Reed tirado en la calle. 

La banda fue abordada por un promotor llamado Al Aronowitz el cual, les ofrece 75 dólares para telonear a otra banda. Al terminar ese concierto,  Aronowitz les consigue un contrato para tocar como banda residente en un local llamado Café Bizarre. The Velvet fue despedida muy pronto sin embargo, en esas pocas presentaciones, conocen a Warhol.

El atractivo que esta banda tenía para Andy, eran sus letras que iban de singular a lo perverso, exponiendo el lado oscuro de lo humano. Sus líricas hablaban de drogadictos, traficantes, transexuales, suicidas y sadomasoquistas, así también, para Warhol eran atractivos sus ritmos llenos de ruido y distorsiones esto, los hacía una banda fuera de lo común o de las bandas comerciales del momento. 

Warhol decide apadrinar al grupo sin embargo, debían incluir en la banda a una de sus musas: Nico, una model y cantante alemana. La colaboración con Warhol le daba a The Velvet, un cierto prestigio entre los circuitos intelectuales sin embargo, el público roquero no opinaba lo mismo ya que iban en contra de las tendencias de la época. Mientras el mundo se manifestaba en lo hippie, The Velvet era estética y compositivamente, lo opuesto. 

Hay que mencionar que en esta época, quienes estaban de moda eran The Beatles, The Rollings Stones es por esto que, The Velvet, era una banda demasiado atrevida para el momento ya que rompía con el orden establecido por estas bandas.  



Con la entrada de Nico a la banda, graban el primer álbum de estudio de la banda llamado: The Velvet Underground & Nico. Dicho material se grabó en 1966 pero no salió a la venta hasta el 12 de marzo de 1967 por diversos problemas, entre ellos la censura y la realización de la inusual portada. Pese a esto, lo edita el sello discográfico de jazz Verve Records de Metro-Goldwyn-Mayer.

El álbum no tiene el éxito esperado y después de varios trabajos juntos comienzan a grabar trabajos como solistas hasta que se desintegran. 

The Velvet Underground  tal vez no tuvo el éxito esperado sin embargo, el haber sido apadrinados por Warhol les dió importancia como banda alternativa, renombre más allá del éxito comercial que se esperaba.

John Cale

Lou Reed

Nico

The Velvet Underground

EDIE SEDGWICK: LA MUSA MÁS INSPIRADORA DE ANDY WARHOL

Dentro de The Factory, Warhol tuvo épocas en las qu prefería a una u otra mujer a quien convertía en la protagonista de sus películas sin embargo, ninguna fue tan emblemática, inspiradora y a la vez tan atormentada como Edie Sedgwick.

Sedgwick nació en Santa Bárbara, California, el 20 de abril de 1943. Fue la séptima de ocho hijos. Sus primeros años transcurrieron en el rancho que poseía su familia, hasta que a comienzos de los años 50 se descubrió petróleo en el terreno. Con las ganancias del petróleo, los miembros de la familia se trasladaron a otro rancho con el doble de extensión en el que construyeron una escuela especial para los niños, a los que no se les permitió asistir a una escuela normal. Edie desde entonces, no tuvo una vida muy normal.

A los 19 años, Edie fue hospitalizada por primera vez en un centro psiquiátrico a causa de anorexia; también algunos otros miembros de su familia fueron diagnosticados con problemas psiquiátricos; su padre fue diagnosticado como maniaco-depresivo y un hermano a los 15 años era alcohólico y homosexual declarado, situación que lleva al padre de Sedgwick a enviarlo también a un psiquiátrico.

En 1963 se va Cambridge para continuar sus estudios, donde inicia amistad con quien después fuera su representante, Chuck Wein. En 1964 se traslada a Nueva York donde comienza a trabajar como modelo y a acude a las fiestas de los clubs de moda de la ciudad.

Sedgwick aparecía frecuentemente en revistas como Vogue o Life sin embargo, no fue aceptada por la industria de la moda debido a su imagen de chica mala y cercana a las drogas que manejaba.

En 1965, Edie conoce a Warhol y comienza a visitar The Factory; durante una de esas visitas Warhol espontáneamente incluye a Sedgwick en la película que rodaba de nombre Vynil, a pesar que el reparto estaba compuesto únicamente por hombres. Warhol se interesa así en ella y la apoya para su lanzamiento a la fama. Entre las películas más destacadas de su trayectoria artística se encuentra Poor Little Rich Girl que fue la primera de una serie de películas que se llamó The Poor Little Rich Girl Saga.

De personalidad enigmática y con una mezcla de inocencia y chica alocada, Sedgwick se robaba las miradas en todos los lugares que visitaba. 

Aunque las películas de Warhol no contaban con gran éxito comercial, la popularidad de Sedgwick en los medios de comunicación fue creciendo. Los medios publicaban reportajes sobre sus apariciones en las películas de Warhol y resaltaban su originalidad en forma de vestir.

Edie también se cortó el pelo y lo tiñó de color plata para parecerse más a Warhol. Andy la llamaba su "superstar"  y acudían juntos a diversos eventos sociales.

A finales de 1965, la amistad entre Edie y Warhol se deteriora bastante y se alejan. Edie trata de aparecer en otras películas sin embargo, el abuso de los barbitúricos y el ritmo de vida alocada le impiden ser seleccionada en otros repartos.

En julio de 1971 se casa con un excompañero del centro psiquiátrico, Michael Proust; su matrimonio dura hasta el 17 de noviembre del mismo año cuando Sedgwick muere por una sobredosis de barbitúricos.

Edie en sus inicios

Edie en The Factory

Andy Warhol y Edie Sedgwick 

Boda de Edie Sedgwick y Michael Proust

THE FACTORY: LA PRODUCCIÓN EN SERIE DE SUEÑOS DE WARHOL

The Factory, fue un estudio de arte fundado por Andy Warhol y situado en Manhattan, Nueva York. El estudio funcionó entre 1963 y 1968, en dos localidades distintas de esta ciudad.

La decoración de The Factory, combinaba la estructura industrial de un estudio sin amueblar, con color plata brillante en sus paredes. Por esto, los años en que funcionó el estudio son conocidos como la Edad de plata, no solamente por el diseño del local, sino también por el decadente y despreocupado estilo de vida de los personajes que visitaban habitualmente el estudio, basado en el dinero, las fiestas, las drogas y la fama.

Más que un lugar, The Factory  fue como su nombre lo dice, un modelo de colaboración entre varios asistentes, empleados, artistas, amigos y Warhol que crearon obras de arte a gran escala. The Factory no solo generó pinturas; en este estudio se produjo cine, escultura, performances multimedia y material impreso en el que la temática eran autobiografías  e incluso, entrevistas en revistas de las estrellas de cine. Dentro de La Fábrica, emergió como una comunidad vital y un espacio en el que se experimentaba con elementos del entorno, ya fueran culturales o sociales. Warhol la usó también, como galería para vender sus obras. Gastó buena parte de sus ingresos en patrocinar el estilo de vida de sus amigos que participaban en la elaboración de sus diferentes expresiones artísticas.

La cultura de masas estadounidense era el objeto habitual de las obras de Andy Warhol, pero al mismo tiempo transgredía sus estrictas normas sociales. La desnudez, el sexo explícito, las drogas y las relaciones homosexuales o de transgénero, aparecían en la mayoría de las películas rodadas en The Factory,. Estos temas aún no eran aceptados en la sociedad, por lo que la proyección de sus diversas películas en ocasiones eran asaltados por la policía y sus espectadores detenidos acusados de obscenidad.

Dentro del marco histórico de esta época, debemos recordar que Estados Unidos iniciaba el camino hacia la guerra de Vietnam y en las diversas ciudades del país se generaban movimientos pacifistas y creativos; por esto, en las expresiones artísticas del momento, se intentaba demandar a la sociedad una libertad de la que se carecía a nivel mundial. La libertad artística se demostraba de forma explosiva y viviendo al máximo, esto los arrastraba a experimentar con excesos y locuras que de alguna forma, los ayudaba olvidar esa realidad de guerra que se manifestaba a su alrededor.

En el futuro todo el mundo será famoso durante quince minutos. Todo el mundo debería tener derecho a 15 minutos de gloria.

Andy Warhol

The Factory

Algunos miembros de The Factory posando con Andy Warhol

Concepto de The Factory en una fotografía a color